Antes de o streaming transformar qualquer celular em uma jukebox infinita, muita gente descobria música de um jeito bem menos óbvio: colocando um videogame para funcionar.
Durante as décadas de 1990 e 2000, os jogos começaram a transformar suas trilhas sonoras em verdadeiras vitrines musicais. E não era qualquer musiquinha de fundo. Rock, punk, metal, hardcore, nu metal e rock alternativo passaram a acompanhar corridas, missões, manobras de skate e, em alguns casos, até jogadores tentando dominar uma guitarra de plástico.
Para uma geração inteira, a primeira experiência com bandas como Rage Against the Machine, Queens of the Stone Age e The Killers aconteceu com um controle na mão.
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Quando o videogame descobriu que rock combina com velocidade
A parceria entre videogames e rock começou a ganhar força nos anos 1990. Com a evolução tecnológica, os jogos passaram a incorporar músicas licenciadas com muito mais liberdade.
Franquias como Tony Hawk’s Pro Skater, Need for Speed, Grand Theft Auto e Burnout começaram a apostar em trilhas sonoras que tinham tudo a ver com a cultura jovem daquele período.
E a música deixou de ser apenas um acompanhamento para a ação. Ela passou a fazer parte da personalidade dos próprios jogos.
Era simples: você podia até não saber o nome da banda, mas depois de ouvir aquela música 200 vezes enquanto tentava passar de fase, era praticamente impossível esquecê-la.
Tony Hawk colocou o punk no controle
Poucos games fizeram tanto pela descoberta musical quanto Tony Hawk’s Pro Skater.
Lançado em 1999, o jogo reuniu punk rock, skate punk, hardcore e hip-hop em uma trilha sonora que rapidamente virou parte essencial da experiência.
Bandas como Goldfinger, Dead Kennedys, The Suicide Machines, Primus, Bad Religion e Millencolin ganharam exposição diante de uma nova geração de fãs.
E existe um exemplo impossível de ignorar: “Superman”, do Goldfinger. A música ficou tão associada à franquia que praticamente virou patrimônio afetivo de quem passou horas tentando acertar manobras no skate virtual.
As continuações aumentaram ainda mais o estrago musical. Papa Roach, Alien Ant Farm, CKY, Rise Against, Jimmy Eat World e Red Hot Chili Peppers também apareceram nas trilhas, ajudando a transformar os games de skate em uma verdadeira porta de entrada para o punk e o rock alternativo.
Guitar Hero: agora o rock precisava de um jogador
Se Tony Hawk’s Pro Skater apresentou bandas para os jogadores, Guitar Hero decidiu colocar o público no palco.
Quando o primeiro jogo chegou às lojas, em 2005, a proposta parecia uma brincadeira simples: pegar um controle em formato de guitarra e acompanhar músicas clássicas do rock.
Só que o negócio explodiu.
Pela primeira vez, milhões de jogadores não estavam apenas ouvindo músicas. Eles estavam tentando tocar junto com elas — ainda que, tecnicamente, estivessem apertando botões coloridos enquanto uma guitarra de plástico descansava no colo.
A série apresentou ou reapresentou nomes como Black Sabbath, Deep Purple, Aerosmith, Metallica, Foo Fighters, Kiss, The Rolling Stones, Slayer, Muse, DragonForce e Iron Maiden para uma multidão de jogadores.
E algumas músicas ganharam uma nova vida graças aos games. Um dos casos mais famosos é “Through the Fire and Flames”, do DragonForce, que virou praticamente o chefão final das guitarras de plástico e um dos maiores desafios da franquia.
Quando as bandas ganharam seus próprios videogames
O sucesso foi tão grande que o caminho inverso começou a acontecer: não eram apenas as músicas que entravam nos games. Algumas bandas passaram a ganhar jogos próprios.
Guitar Hero: Aerosmith, Guitar Hero: Metallica, The Beatles: Rock Band e Green Day: Rock Band transformaram as carreiras desses artistas em experiências interativas.
O resultado foi especialmente importante para o público mais jovem, que muitas vezes ainda nem tinha nascido quando algumas dessas bandas estavam no auge.
A franquia Rock Band, lançada em 2007, levou a brincadeira ainda mais longe. Até quatro pessoas podiam tocar juntas, simulando uma banda completa.
E o efeito não ficou preso à tela. Muitos jogadores acabaram desenvolvendo interesse por guitarra, baixo e bateria depois de passar horas brincando de estrela do rock nos videogames.
Need for Speed acelerou o rock alternativo
Enquanto isso, Need for Speed tratava de outra coisa que combina perfeitamente com guitarras altas: velocidade.
Jogos como Need for Speed: Underground, Most Wanted e Carbon montaram trilhas sonoras recheadas de rock alternativo e nu metal, levando nomes como Queens of the Stone Age, Static-X, Bullet for My Valentine, Avenged Sevenfold, Mastodon e Disturbed para os fones de uma nova geração.
Era música para ouvir enquanto você tunava o carro, disputava corrida, fugia da polícia e, provavelmente, batia em algum poste cinco segundos depois.
A trilha sonora ajudava a construir a identidade dos jogos e fazia com que determinadas bandas se tornassem familiares mesmo para quem ainda não acompanhava a cena musical.
GTA transformou o rádio em uma viagem musical
Se existe uma franquia que entendeu o potencial das trilhas sonoras, foi Grand Theft Auto.
Em vez de simplesmente colocar músicas durante as fases, a série criou estações de rádio fictícias com diferentes estilos e enormes catálogos de músicas licenciadas.
Em jogos como GTA: Vice City, GTA: San Andreas e GTA IV, os jogadores podiam dirigir pelas cidades virtuais enquanto ouviam nomes como Ozzy Osbourne, Faith No More, Alice in Chains, Soundgarden, Rage Against the Machine, The Smashing Pumpkins e The Stooges.
O resultado era uma combinação poderosa: a música ajudava a construir a atmosfera do jogo e, ao mesmo tempo, despertava a curiosidade de quem queria descobrir mais sobre determinada banda.
Às vezes, a pessoa começava uma missão no GTA e terminava a sessão com uma nova banda favorita.
Burnout, MX vs. ATV e SSX também fizeram barulho
Não foram apenas os gigantes do mercado que ajudaram nessa revolução musical.
Franquias como Burnout, MX vs. ATV e SSX também apostaram pesado em trilhas com punk rock, hardcore e rock alternativo.
E fazia sentido. Música acelerada combinava perfeitamente com jogos em que velocidade, manobras e adrenalina eram a regra.
O mais curioso é que algumas dessas músicas acabavam ficando na cabeça dos jogadores muito depois de o console ser desligado.
Videogame também virou ferramenta de divulgação
O impacto dessa relação entre rock e videogames foi tão grande que várias bandas reconheceram a importância dos games para conquistar novos públicos.
Em alguns casos, músicas que já tinham anos de estrada voltaram a ganhar destaque depois de aparecerem em determinado jogo.
Para artistas independentes, entrar em uma trilha sonora podia significar uma exposição gigantesca, comparável àquela obtida em campanhas tradicionais de rádio ou televisão.
Em outras palavras: uma boa música em um bom game podia colocar uma banda na playlist de milhões de pessoas sem que elas sequer estivessem procurando por aquele artista.
E essa parceria está longe de acabar
O streaming mudou completamente a maneira como descobrimos música, mas os videogames continuam funcionando como grandes portas de entrada para novos artistas.
Franquias atuais como EA Sports FC, Fortnite, Forza Horizon e MLB The Show continuam reunindo trilhas com diferentes estilos e apresentando músicas para milhões de jogadores ao redor do mundo.
A grande diferença é que hoje o processo ficou ainda mais rápido.
Antigamente, você precisava anotar o nome da banda, procurar o CD em uma loja ou torcer para o locutor da rádio revelar o nome da música.
Agora, basta ouvir alguns segundos, pegar o celular e procurar a faixa em uma plataforma digital.
No fim das contas, os videogames não serviram apenas para criar pontuação, zerar campanhas e destruir amizades em partidas multiplayer. Eles também ajudaram a construir memórias musicais e apresentaram uma geração inteira ao mundo do rock.
Porque, convenhamos: poucas coisas são tão anos 2000 quanto descobrir uma banda enquanto você tenta vencer uma corrida, fazer um combo absurdo no skate ou sobreviver a uma música impossível no Guitar Hero.
